Nada me daría más gusto que afirmar que este post inaugura una nueva etapa en este asqueroso blog pero, considerando el muy voluble carácter de su bigotudo servidor (que un día habla sobre la inmortalidad del cangrejo y otro sobre fanservice et al.), será mejor dejarse llevar por el azar y que los textos aparezcan por generación espontánea.

Pero haciendo a un lado los disparates, estamos por concluir (con un par de trampillas) el primer capítulo de lo que llamaremos "1er. Volumen" de Vintage Romance. Terminamos (después de casi seis meses) nuestro viaje musical por una de las épocas más emblemáticas del medio que nos ocupa, pero no sin antes "echar la casa por la ventana" con otra gran dosis de temas musicales.

Veinte melodías veinte conforman el presente cartel, aunque he de confesar que su selección se tornó un tanto complicada debido a que -para bien del proyecto) debería "reservar" una buena dotación de temas para futuros volúmenes de VR. Afortunadamente, el resultado se antoja muy interesante y sé que será de su agrado.

Y es aquí donde viene la infame pregunta, ¿cuándo llegará el segundo capítulo?

No en corto tiempo (eso puedo asegurarlo), pero tampoco demasiado. Dejémoslo, para salud mental de los fans, en un coming choon.

Por ahora, no puedo sino agradecer a todos quienes, con su lectura, sus comentarios y -sobretodo- sus sugerencias han enriquecido este singular proyecto (que espero esté siendo tan "educativo" tanto para mí como para ustedes), esperando contar con su atención en próximas entregas.

1973-1983… Adieu!

 

01.
Gatchaman no Uta

Serie:
Kagaku Ninja-Tai Gatchaman (1972)

Intérprete:
Masato Shimon

Entre todos los comentarios y sugerencias dirigidos a Vintage Romance ninguno se haya referido a este eterno clásico, aunque tal ausencia seguramente no se debe a mala memoria, sino a que muchos de nosotros (¿todos?) relacionamos a estos jóvenes justicieros con otro nombre: Fuerza- G.

Al igual que Macross o Sei Juushi Bismark, Kagaku Ninja-tai Gatchaman también fue objeto de crueles "recortes y pegados" por parte de productores norteamericanos, aunque tal adaptación no opacó el épico impacto generacional de esta historia.

Heredera del legado sci-fi de relatos como Ultraman o Kamen Rider y a su vez pionera en la participación de equipos adolescentes de combate (fórmula que sería la base de muchas producciones sentai e incluso mahou-shoujo, Gatchaman también fue de las primeras producciones en verse influenciadas por la moda y conducta juvenil de la época (desde el diseño de vestuario hasta la activa participación de Jun en el equipo), tendencia que se viera reflejada en el segundo tema de apertura de esta serie, otro de los primeros en romper el esquema marcial destinado al público masculino y adaptarse a ritmos contemporáneos.

Curiosamente, Gatchaman no Uta (interpretado por Masato Shimon, ícono de clásicos temas para sentai-shows) se convertiría en emblema inconfundible de esta historia, enviando al olvido a Taosozu! Galactor, su primer opening.

 

 

02.
Kerokko Demetan

Serie:
Kerokko Demetan (1973)

Intérprete:
Mitsuko Horie

Si algo dejaron claro muchas producciones de los 70 es que la felicidad dura poco. No importa que tan gratificante sea el presente, siempre debemos estar preparados para un giro inesperado en nuestras vidas, filosofía que no encontrara mejor representante que una de las producciones más agridulces de la época, Kerokko Demetan, mejor conocida en tierras hispanas como "La Ranita Demetán".

Por supuesto, toda la tragedia y melancolía que aderezaba las vidas de Demetan y Ranatan no eran gratuitas, pues detrás de su nostálgica odisea estuvo uno de los maestros del drama animado: Yoshiyuki Tomino.

Aquí en sus inicios, los años 70 se convertirían en un gran período de estudio y preparación para Tomino-sensei; como ya sabemos, hacia el final de la década Tomino empezaría a dejar una huella imborrable en el medio que nos ocupa, al igual que otro joven talento que aquí apenas empezaba a destacar, una novata llamada Mitsuko Horie.

Ganando notoriedad con los temas principales de Mahou no Mako-chan en 1970, fue Kerokko Demetan el tema con el que esta joven intérprete se ganaría el cariño del público.

 

 

03.
Senchi na Limit-chan

Serie:
Miracle Shoujo Limit-chan (1973)

Intérprete:
Kumiko Ohsugi

Con raíces más cercanas al sci-fi que al mahou-shoujo, Miracle Shoujo Limit-chan también formó parte de esas propuestas que empezaron a separar el concepto "chicas mágicas" del de sencillas brujitas (modelo que iniciara Mahou Tsukai Sally una década atrás) para acercarlo a la imagen que todos conocemos hoy por hoy.

Los cambios que Limit-chan propone al género no son sólo en cuanto a la forma, sino también a través de un latente elemento trágico: la inminente muerte de Limit-chan una vez que haya agotado toda su energía, extrema ansiedad que encontramos plasmada en su melancólico tema de cierre, una melodía soft-rock que, junto a sus participaciones en Ace wo Nerae!, Heidi y muchas otras, permitirían a Kumiko Ohsugi ganar un sitio de honor como intérprete de temas para series animadas.

 

 

04.
Mazinger Z

Serie:
Mazinger Z (1972)

Intérprete:
Ichiro Mizuki

He de confesar que aquí se hizo una pequeña trampa y es que, aún y cuando este primer volumen de Vintage Romance da inicio en 1973, la canción que nos compete se escuchó por vez primera un año antes; sin embargo, creo que muchos estarán de acuerdo en que esta lista jamás estaría completa sin la presencia de este magno clásico en voz de otra leyenda viva del medio: Ichiro "Aniki" Mizuki.

El mecha-opus de Go Nagai no necesita presentación, de hecho, a más de tres décadas de su estreno creo que ninguno de quienes tuvimos oportunidad de vernos en el papel de Kouji Kabuto estamos en posición de juzgar esta obra con los criterios con que nos damos el lujo de lapidar recientes producciones.

Todo ámbito de la cultura popular genera sus propios mitos y Mazinger, sin duda alguna (superando fronteras y épocas), es uno de los nuestros.

 

 

05.
Mitsubachi Maya no Bouken

Serie:
Mitsubachi Maya no Bouken (1975)

Intérprete:
Cheetah and the Honeybee Choir

Aunque las producciones del Sekai Meisaku Gekijou son consideradas como el gran legado de Nippon Animation, sería injusto hacer a un lado otras historias que, aunque no han gozado de tanta difusión -en años posteriores a su transmisión- como los relatos del Meisaku, también fueron parte de los primeros años de muchos niños en todo el mundo, como sucede con "La Abeja Maya".

Sin la atmósfera agridulce de Kerokko Demetan, pero con énfasis en el aprecio por la naturaleza y en la odisea por descubrir nuestro lugar en el mundo, esta serie también mostró algunos de los más hermosos escenarios de la época, así como creativos efectos especiales en agua y viento.

Mitsubachi Maya no Bouken también llama la atención por su tema de apertura, una equilibrada melodía que logra integrar nuevos ritmos con un arreglo orquestral, sello que marcaría los openings futuras producciones de Nippon Animation.

 

 

06.
La Seine no Hoshi

Serie:
La Seine no Hoshi (1975)

Intérprete:
Mitsuko Horie

Difícil imaginar que una novela como El Tulipan Negro, de Alejandro Dumas, sería la inspiración para una de las más interesantes heroínas en la historia de la industria, e "interesante" no precisamente por ser muy recordada sino por sentar las bases que darían vida a grandes féminas como Oscar, Utena y muchas otras.

En un medio que no suele caracterizarse por el romanticismo que domina a las justicieras enmascaradas, Simone fue la protagonista necesaria para - finalmente- romper con el arquetipo femenino (sumisas, ilusorias, ingenuas) y equilibrar fuerzas entre géneros, poderosa iniciativa que también encontramos en su homónimo opening: audaz, intrépido, dinámico, intenso… un tributo a los ideales de su protagonista.

 

 

07.
Sasurai no Taiyou

Serie:
Sasurai no Taiyou (1971)

Intérprete:
Three Graces

Con riesgo a ser despreciado por los lectores debido a débil carácter y fuerza de voluntad, su servidor nuevamente rompe la norma que el mismo había impuesto al incluir dos temas de 1971, ambos ingrediente esencial de una de las producciones más fascinantes de este período aunque, como suele suceder, sólo unos cuantos han tenido oportunidad de observarla fuera de su país de origen.

¿La premisa? Tan melodramática como factible: dos bebés son cambiadas de cuna al nacer, de forma que la heredera de una gran fortuna termina con una familia de escasos recursos y visceversa. Ya adolescentes, las dos chicas se encuentran y -sin sospechar su pasado- harán todo lo posible por hacer realidad su sueño: ser cantantes.

Aunque en los 70 la situación empezaba a cambiar, lo cierto es que los inicios de la segunda mitad del siglo XX fueron muy difíciles para Japón. Recuperándose de una guerra (y un artero ataque final) que había dejado al país en la miseria, el gran cariño que la sociedad japonesa tiene hacia personajes como Joe Yabuki, Hyuma Hoshi o Naoto Date viene precisamente de ese deseo de lucha, de superar la pobreza y alcanzar un mejor futuro.

Así, es posible afirmar que la odisea de Nozomi Mine para hacer llegar sus melodías a los corazones de la gente es el complemento perfecto a los incansables protagonistas de la Era Showa, con la notable diferencia (¿analogía?) que su "arma" para combatir la adversidad no eran sus puños ni un bate de baseball… era, simplemente, una guitarra, su dulce voz y una actitud desafiante hacia el porvenir.

En cuanto al opening, las virtudes saltan a la vista: una secuencia deliciosamente armada (cortesía del maestro Tomino, para variar) y complementada por una dramática interpretación de The Three Graces (responsables de Mahou Tsukai Sally no Uta).

 

 

08.
Kokoro no Uta

Serie:
Sasurai no Taiyou (1971)

Intérprete:
Mitsuko Horie

Escasas, muy escasas son las oportunidades en que buena parte de los talentos vocales de la industria nos ofrecen su voz natural, sin embargo, llama poderosamente la atención escuchar a una muy joven Mitsuko Horie (apenas 14 años) con una tesitura de este calibre, una poderosa melodía sobre la fuerza de la amistad complemente inmersa en una renovada folk music.

Nuevamente, voz y música se unen para "desarmar al enemigo", superar los desafíos del presente, curar heridas, mirar hacia el futuro. El espíritu que marcó a una generación en todo el orbe también fue parte esencial del medio que nos ocupa.

 

 

09.
Saa Aruki Hajimeyou

Serie:
Ie Naki Ko (1978)

Intérprete:
Ayako Sawada

Imperdonable, totalmente imperdonable cerrar este primer volumen de Vintage Romance sin hacer mención, no sólo de uno de los más hermosos temas de apertura en la historia de la industria, sino también una de las mejores adaptaciones de cualquier opening en lengua hispana (adaptación, no una simple traducción).

Más que en la letra o en la música, la verdadera fuerza de una canción está en los recuerdos que evoca. Así, hablar a detalle de esta melodía no tendría sentido.

Saa Aruki Hajimeyou es… y sólo hace falta guardar silencio para entenderla.

 

 

10.
Tickle Chiiko no Cha Cha Cha

Serie:
Majokko Tickle (1978)

Intérprete:
Mitsuko Horie

Otro título relativamente oscuro para el público occidental pero que contribuyó notablemente a diversificar el género mahou-shoujo. Creada por Go Nagai, la premisa de esta historia sería empleada (años después) en muchas otras producciones, desde Sailormoon hasta Figure 17: por azares del destino, Chiko libera a una joven hechicera llamada Tickle, quien fuera encerrada en un libro durante cientos de años por su "mal comportamiento"; descarada e irreverente, Tickle decide "agradecer" el favor a su nueva amiga cumpliendo todos sus deseos… a cambio de vivir con ella.

Adictiva melodía a cargo de una Mitsuko Horie que ya se había ubicado como una de las favoritas del público, Majokko Tickle fue de los últimos temas de apertura en conservar ese estilo "kodomo a-go-go" que fuera tan prolífico durante los 70.

 

 

11.
Captain Harlock

Serie:
Uchuu Kaizoku Captain Harlock (1978)

Intérpretes:
Ichirou Mizuki

El simple hecho de que, a casi 30 años de su estreno, los primeros segundos de Tengen Toppa Gurren-Lagann evocaran de inmediato la imagen de este temerario pirata intergaláctico prueba que esta creación de Leiji Matsumoto está ya "del otro lado", en ese extremo del espectro reservado a los más grandes.

En voz de Aniki, Captain Harlock está cargado de esa pasión y nostalgia que marcaron a esta romántica producción, la cual no sólo nos legó una inmortal galería de personajes, sino también sería un parte-aguas en la trayectoria de creativos de la talla de Rin Taro o Kazuo Komatsubara.

 

 

12.
Shiawase no Yokan

Serie:
Mirai Shonen Conan (1978)

Intérprete:
Yuko Yamaji & Naozumi Kaneda

Difícil no volver a un clásico ya mencionado en este proyecto, ahora para recordar su tema de cierre, tan nostálgico como su opening aunque en un sentido opuesto, y es que si bien podemos hablar de Ima Chikyuu ga Mezameru como una canción de afrenta, Shiawase no Yokan apela a una total reflexión, un momento de respiro para entender quiénes somos, dónde estamos, qué sentimos y (lo más importante) que aún hay esperanza para construir un camino.

Yuko Yamaji y Naozumi Kaneda, dos voces en perfecto equilibrio (detalle que se percibe más aquí que en el tema de apertura) y una poética melodía para la posteridad.

 

 

13.
Tobe! Gundam

Serie:
Kidou Senshi Gundam (1979)

Intérprete:
Koh Ikeda

Considerada como piedra angular del medio que nos ocupa, al grado de marcar el inicio de una nueva era en la historia de la industria (impulsando el desarrollo de Sunrise, marcando la vida y trayectoria de Yoshiyuki Tomino, sentando las bases del fandom), Kidou Senshi Gundam conserva uno de los openings con mayor fortaleza y emotividad, además de una secuencia de apertura que muchos adultos de hoy aún llevan tatuada en la memoria.

Por otra parte es curioso que, entre los más férreos seguidores de esta franquicia, Tobe! Gundam sigue siendo considerado como el mejor opening, muy por encima de la amplia variedad de melodías e intérpretes que le han seguido hasta nuestros días.

Libros y recopilaciones se han creado para describir el impacto de Kidou Senshi Gundam aunque, a decir verdad, sólo son necesarios estos 90 segundos para entender el por qué.

Dicho sea de paso que Kidou Senshi Gundam también entraña una de las ironías más despiadadas en la historia del medio, y es que pocos hubieran imaginado que una serie que fue abruptamente cancelada por bajos niveles de audiencia, al paso de los años sería ampliamente reconocida.

 

 

14.
Honoo no Takaramono

Película:
Lupin III: Cagliostro no Shiro (1979)

Intérprete:
Bobbi

En contraste con buena parte de los directores que poblan la industria hoy en día, en quienes es difícil apreciar un estilo o evolución, los trabajos de Hayao Miyazaki no sólo poseen una filosofía bien definida, sino que parecen estar ligados entre sí y con el momento en la historia que los vio nacer. Así, no es posible explicar Sen to Chihiro sin Mononoke-hime, no tendría tanto poder Kiki sin Laputa y, obviamente, Naüsicaa y el mismo nacimiento de Studio Ghibli no podrían concebirse sin Cagliostro no Shiro.

Más que adaptar la obra original de Monkey Punch, Miyazaki, Otsuka y Kobayashi la hicieron suya, dándole vida de forma única e inolvidable, sobretodo en esa secuencia inicial con Lupin y Daisuke (en un muelle, sobre el camino de mediodía, al anochecer en un paraje desconocido) haciendo lo que mejor saben hacer: vivir el momento, esperando el próximo desafío… una compleja sensación que Bobbi logró concretar con esta sensual interpretación, plena del misterio y platónico romance que envuelve a esta historia.

 

 

15.
Hello! Lalabel

Serie:
Mahou Shoujo Lalabel (1980)

Intérprete:
Mitsuko Horie

Con la llegada de nuevos estilos y formas en múltiples rubros de la industria a finales de la década, volver a la tradicional imagen de la brujita buena no parecería aportar mucho al mahou-shoujo, sin embargo, Mahou Shoujo Lallabel se convertiría en la mejor representante de esta "primera etapa" del género gracias a su encantador elenco, un muy colorido diseño de producción, además de un dinámico y alegre argumento.

Siendo una de las pocas producciones en que dio voz tanto a los temas principales de la serie como a su protagonista, Mitsuko Horie hizo de un ritmo tan típico como el de Hello! Lalabell una melodía brillante, alegre y con un ligero toque de picardía.

 

 

16.
Fukkatsu no Ideon

Serie:
Densetsu Kyojin Ideon (1980)

Intérprete:
Isao Taira

Es intersante observar que, así como los fans tienen sus clásicos, los animadores tienen los propios, y ese es precisamente el estigma/honor que ha caracterizado a una de las producciones que, si bien pocos son capaces de recordar, lo cierto es que se trata de un título sin cuya presencia nada sería igual.

Al igual que Kidou Senshi Gundam, Ideon fue víctima de la guillotina por falta de rating, dando pie a la producción de dos largometrajes que sirvieron de epílogo a esta historia: A Contact y Be Invoked, sellando el destino de sus protagonistas a través de un final sumamente devastador, trágico y esperanzador.

Concebida por y dirigida por Yoshiyuki Tomino, Ideon se negó a ser complaciente ni con sus protagonistas ni con la audiencia, sometiendo a ambos a la crueldad de la guerra, la ambición del ser humano por poseer (y ser), dando un oscuro giro a la forma en que la industria había manejado la ciencia-ficción y sentando un precedente que -años después- varias producciones tomarían como referencia, en especial Shin Seiki Evangelion.

A simple vista un tema sencillo, el estilo in crescendo de Fukkatsu no Ideon (partiendo de un solo acústico hasta una mezcla -cada vez más intensa- de cuerdas, percusiones y trompetas) y su apasionada letra cobran mayor significado una vez que se hace evidente el fatídico destino de los protagonistas de esta historia y del aterrador poder que nunca debieron descubrir.

 

 

17.
Cosmos ni Kimi to

Serie:
Densetsu Kyojin Ideon (1980)

Intérprete:
Keiko Toda

La inmensa soledad del espacio, la insignificante (y tan brillante) existencia humana y la angustia de la muerte son los ingredientes de una grandiosa balada, interpretada por una de las mejores voces de su generación.

Más que una típica canción de amor, la sensación que envuelve a Cosmos ni Kimi to es la de un mensaje para la eternidad, de un intenso deseo de vivir por siempre a pesar de que, lamentablemente, el final está por llegar.

 

 

18.
Wai Wai World

Serie:
Dr. Slump (1983)

Intérprete:
Ado Mizumori & Koorogi ‘73

Habemos en este mundo de Diox unos cuantos herejes que no podemos evitar pensar que la mejor obra de Akira Toriyama (la más sincera, la más original) es aquella que narra las venturas y desventuras de todos los habitantes de Villa Pingüino, en especial de una pequeña e irreverente androide.

Mención imprescindible en cualquier recopilación de openings, Wai Wai World es un temprano homenaje a los primeros temas musicales de series animadas: sencilla, con un ritmo extraordinariamente adictivo, una letra disparatada y, por supuesto, una secuencia animada tan estúpida e hilarante que es capaz de alegrar a cualquiera.

Afortunadamente, América Latina contó con una notable adaptación de este tema, además de un excelente doblaje y el saludo que -por un tiempo- se volvió moneda corriente en muchas primarias y secundarias: ¡Qué onda!

 

 

19.
Dancing Star

Serie:
Urusei Yatsura (1983)

Intérprete:
Izumi Kobayashi

La esencia de toda comedia romántica está, valga la obviedad, en saber burlarse de todas las ironías, cursilerías y detalles absurdos que dan forma al amor. Eterna parodia de si misma, la comedia romántica jamás toma en serio sus propios conflictos, al contrario: se empeña en llevarlos al extremo en cualquier situación. Razón de más para considerar Urusei Yatsura como la comedia romántica por excelencia en el medio que nos ocupa.

Sin embargo, la constante mezcla de mofa y picardía en esta inolvidable adaptación de la obra original de Rumiko Takashi no se limita a sus personajes, sino también a su extensa variedad de temas musicales, siendo uno de los más interesantes su segundo opening, Dancing Star.

Con una creativa mezcla de ritmos latinos y música disco (similar al de muchos intérpretes del período en España y América Latina), Dancing Star no era la coqueta amenaza de Lum no Love Song, sino una melodía de latente sensualidad y pasión más propia de un público adolescente que infantil.

Confusión, indecisión, frenesí, deseo… Dancing Star es un tributo al absurdo primer amor, además de ofrecernos una extraordinaria secuencia animada.

 

 

20.
Omoide ga Ippai

Serie:
Miyuki (1983)

Intérprete:
H2O

Y aquí estamos. El gran final de esta primera etapa de Vintage Romance. Seguramente algunos lectores imaginaron que el primer volumen de este querido proyecto terminaría con una bomba… y así es, pero no de la forma que podrían imaginar.

Considerando que aún entre los expertos en cine (un arte que ya supera el siglo de existencia) resulta muy difícil definir su historia y las etapas en que se divide, tratar de hacer un estudio similar con la animación japonesa sería, más que complejo, absurdo. En años recientes, por concenso se ha llegado a la conclusión de que la historia del anime puede dividirse en dos grandes períodos: antes y después de la Segunda Guerra Mundial.

Obviamente, las producciones previas a la gran guerra son difíciles de tratar debido al escaso material (y las mínimas probabilidades de conseguirlo) y al hecho de que la animación era -en buena medida- una herramienta del Estado para promover la devoción hacia el Imperio. Sin embargo, del período que da inicio con la segunda mitad del siglo XX es más fácil hablar por una sencilla razón: se trataba de un medio de expresión popular, un medio a través del cual una sociedad devastada (en especial la juventud) supo hayar el ánimo, el valor, un motivo para salir adelante.

En pocos años, las producciones de Toei Douga, MushiPro y TMS se convirtiéron en íconos populares, derivando en la creación de nuevas casas (A-Pro, Nippon Animation, Sunrise, Madhouse) que a su vez fueron semilleros de extraordinarios talentos, sin mencionar el boom de la animación independiente que vendría de mano de maestros como Tadanari Okamoto, Yoji Kuri, Taku Furukawa o el mismo Osamu Tezuka (una faceta muy poco explorada de este precursor).

No obstante, a pesar de este crecimiento durante los años 50, 60, y 70, aún no es posible hablar propiamente de una "industria del anime" porque, simplemente, para hablar de una industria tiene que haber un mercado, y lo cierto es que durante casi tres décadas las producciones de animación japonesa se enfocaron en fascinar, educar, conmover, formar a la juventud de ese país. Por supuesto, el merchandising ya estaba presente en aquellos años, pero su presencia era mínima y poco habitual (loncheras, lapiceras, tal vez bicicletas).

Hablamos, hasta este punto, de un medio joven: dedicado a los niños, a las niñas, a los padres que deseaban compartir momentos en familia.

El constraste llegaría a finales de los 70 en un período que ya merecía un cambio: aquellos niños y niñas no lo eran más, Japón daba señales firmes de progreso y la aparición de más casas dedicadas a la producción (y difusión) de animación obligaban a explorar nuevas formas, tanto de expresión como de financiamiento.

La "industrialización" (o, mejor dicho, mercantilización) del anime fue un paso inevitable, necesario para que el medio siguiera con vida. Pero mercantilización no se refiere a banalidad, sino a un obvio principio: satisfacer las necesidades del público… ¿y cuáles eran las necesidades del público de la época? Historias más complejas y diversas, un desarrollo más interesante de personajes, mayor creatividad, con la notable diferencia de que esta primera etapa en el "toma y daca" entre la industria y el público estaba equilibrada, es decir: la juventud proponía sus inquietudes, pero los creativos solían tener la última palabra.

En este sentido, la música ha sido el reflejo perfecto del desarrollo de este medio. Componentes esenciales a partir del segundo gran periodo de la historia del anime, los temas musicales hacían evidente lo que centenares de episodios ofrecían en segundo plano: las aspiraciones del héroe, la misión de la heroina, sus cualidades, sus defectos, sus frustraciones… que solían ser análogos a los de esa primera generación.

Las canciones de series anime fueron (y siguen siendo) la forma más efectiva de identificarse, de ser parte de esas historias, de entenderlas, de hacerlas nuestras. El primer y último contacto con el héroe, con la gran odisea, es a través de las melodías que abrían y cerraban cada capítulo de sus historias.

Así, los temas musicales de esta primera etapa nos llevan, precisamente, a las primeras experiencias que un niño tiene con el mundo: encuentros con la naturaleza, el amor a la familia, el aprecio por otras culturas y por el propio país, las primeras grandes aventuras, conocer los desafíos y tribulaciones de la vida, el valor de la amistad… sensaciones, frases y escenas que pueden resumirse en una palabra: conocimiento. Conocimiento básico, pero conocimiento al fin y al cabo.

Sin embargo, con la edad todo cambia. Atrás quedan los juguetes, las coplas, las travesuras y los juegos. Una vez entrados en la segunda década de nuestras vidas, los intereses son diametralmente distintos. La adolescencia está a la vuelta de la esquina y sólo hay un paso, un evento que marca la diferencia: el primer amor.

Mitsuru Adachi es un autor cuya obra entera ha girado alrededor del primer amor, pero considero que esa poderosa idea no se ha expresado mejor que en uno de sus primeros trabajos como profesional: Miyuki.

Triángulo amoroso como pocos, Miyuki (obra con nombre de mujer, con todo lo que eso implica) nos pone en los zapatos de Masato, joven cuya mente y corazón se debaten entre Miyuki Kashima, la chica más hermosa de la escuela, y Miyuki Wakamatsu, su hermanastra. Pero más que una comedia romántica o un colapso inminente, Miyuki es una historia de finales e inicios, de un nuevo mundo que se muestra ante nosotros y que, para descubrirlo, debemos dejar atrás nuestro pequeño e inocente ser.

Miyuki, como ya empezaba a ser tradición, llegó a la pantalla chica en 1983 con el mismo impacto que en su versión original, aunque un ligero detalle le haría sobresalir.

Único hit del duo H2O, Omoide ga Ippai fue un rotundo éxito en su momento, pero fueron los años los que la convirtieron en un ícono melódico de la generación japonesa de los 80, recuerdo de esos días en que se vivía de forma diferente, de las experiencias dulces que les precedieron y agridulce predicción de la nostalgia que llegaría con la edad adulta.

Omoide ga Ippai es un tema de graduación, de final y principio, de tristeza por lo que se fue y alegría por lo que ha de venir. Es, en mi opinión, el simbólico sello que da por terminada la primera etapa de este segundo período en la historia del anime y abre -con bombo y platillo- un nuevo capítulo.

Con Omoide ga Ippai, la animación japonesa se despide de la infancia y da inicio a una muy promisoria adolescencia. Se cierra una etapa creativa, de pasión y de constante experimentación, y a la vez llega una igualmente importante. Importante, pero muy diferente.

Libre de parodias y épicos simbolismos, Omoide ga Ippai es (en muchos sentidos) la primera canción adolescente en el medio que nos ocupa, plena de ese espíritu de juventud, de ese interés por el primer amor y de la angustia que significa estar a punto de llegar a la edad adulta.

No hay mejor forma de marcar el final de una era.