¡Qué bello es, mes étudiants, cuando a uno le rompen la cara!

¡Qué bello es, mes étudiants cuando a uno, ciego y lleno de prejuicios, le demuestran al más puro estilo "in your face, dumbass!" lo equivocado que estaba y lo mucho que había perdido al dejar que mis argumentos baratos y carentes de investigación contradijeran ese inmortal motto que reza "la única  forma de conocer anime es viendo anime"!

Afortunadamente, no es la primera vez que le sucede esto a Il Gato (ni la última, espero, porque se aprende mucho) y, siendo también un feroz autocrítico de su continua estupidez, un post de este tipo era verdaderamente inevitable.

Así, con profundo respeto y atención les invito a degustar las siguientes líneas y, si no caen dormidos al instante (que es lo más probable), corran de  inmediato a su más cercano distribuidor para disfrutar del que es ya, sin duda, una de las mejores producciones de la temporada primaveral.

Today’s idols push the hero of yesterday out of our recollection,
and will, in turn, be supplanted by his successor of tomorrow.
 
- Washington Irving

Un fantasma recorre el mundo. En silencio, asechando, atrapando a cualquiera que le reciba con brazos abiertos. En silencio, inmisericorde, infectando seres humanos a granel desde hace cientos de años, pero cuyos esfuerzos han aumentado durante la segunda mitad del siglo XX.

Me refiero, por supuesto, a ese bastardo espectro llamado "rutina", cuyo impacto en la sociedad morderna resulta inevitable ante la seguridad que nos  proporciona, la confianza que nos otorga al saber que todo está determinado, que los caminos ya se han labrado y que lo ùnico que nos queda por hacer  es caminar, caminar hasta el último aliento, así como lo han hecho -y harán- muchos otros.

Pareciera como si la rutina formara parte del ser humano desde el instante mismo del nacimiento, como un virus latente que -con infinita paciencia-  espera el momento preciso en que nuestros ideales se enfrentan a un obstáculo "insuperable" y entonces… ¡bam!, invade hasta la última célula con una  hipnotizante aura de conformidad que sí, nos brinda estabilidad y suelo firme pero, en continuas dosis, termina por limitar nuestra perspectiva,  capacidades y aspiraciones.

Afortunadamente, a lo largo de la historia también han existido individuos que, marcados por un evento determinante o inspirados por las palabras de  grandes -y desconocidos- maestros, se levantan en medio de un apático panorama y hacen pedazos el círculo vicioso que, casi "genéticamente", parece  dominar al ser humano.

Individuos de temeraria apariencia, firme visión e infranqueable voluntad que, aún a costa de su vida, han sido capaces de convertir senderos suicidas en nuevos caminos, guiando a muchos otros que -convencidos de su liderazgo-, lo han dejado todo para cimentar el futuro de nuevas generaciones.

Así, les ha sido otorgado un apelativo digno de tan épicos esfuerzos: Héroes.

Desde la antigüedad, la figura del héroe (ya sea en ficción o basado en hechos históricos) ha sido vital para la constitución de culturas enteras e, incluso, de las bellas artes y de muchas religiones. El mito del héroe, de acuerdo al investigador Joseph Campbell, ha jugado un rol trascendental e inagotable en  la historia de la humanidad al contener la esencia de los arquetipos en el inconsciente colectivo, la raíz de la conducta humana, atrapando nuestra  atención al enfrentarnos con una eterna disyuntiva: ¿es el ser humano libre de elegir su camino?, ¿son nuestros actos y encuentros productos del destino o del libre albedrio?

No importando sus infinitas formas, el mito del héroe (o monomito) constituye la figura del héroe universal, aquel siempre pleno de iniciativa y dispuesto a  actuar bajo cualquier circunstancia, creando un propósito único para si mismo y para quienes lo siguen, convirtiéndose en un símbolo de eterno  compromiso con los ideales… compromiso, valor y convicción que, ante la radical racionalización occidental, son cada vez más escasos, llevando a  muchas culturas a un severo estado de perturbación y fundamentalismo.

Como es de esperar, el monomito también ha sido protagonista en la industria del anime: desde el héroe implacable y temerario (Akira Fudo, Kouji Kabuto), el inocente que ve en la guerra la única vía para la paz (Amuro Ray, Hikaru Ichijyo, Noriko Takaya), hasta la muy ambigua figura del héroe  existencialista cuyo representante por antonomasia es, sin duda, Shinji Ikari, protagonista de Shin Seiki Evangelion.

En la que es considerada su opus maxima, Hideaki Anno y Gainax construyeron en Evangelion una verdadera antítesis del monomito: un héroe  constamente traicionado por sus figuras cercanas, un héroe abatido ante cada nuevo desafío, un héroe egoista y cobarde que termina con el destino del  universo en sus manos… y fracasa gloriosamente.

Para bien o para mal, el impacto de Evangelion se ha convertido en una sombra para Gainax, un legado del que no han podido desprenderse y, aunque  les permite generar recursos suficientes para solventar nuevos proyectos, éstos -y los anteriores a 1995- no pueden evitar ser constamente comparados  con la fatídica odisea desarrollada en Tokyo-3.

Sin embargo, imperdonable sería negar que, desde hace algunos años, en Gainax se ha venido gestando una nueva generación de animadores,  herederos del propositivismo de aquella vieja guardia representada por Anno, Takami Akai, Shinji Higuchi y Hiroyuki Yamaga, pero a la vez cargados de un  gran dinamismo y una enfermiza obsesión por la irreverencia argumental y cinética. Una giro radical en la producción de animación que vería sus  primeros frutos en 2000 con FLCL.

Como una supernova cargada de adrenalina, moviéndose entre la abstracción pura, comedia negra, sci-fi y una bizarra visión del primer amor, los seis  episodios de FLCL también nos permitieron conocer a Tadashi Hiramatsu, Shouji Saeki, Masahiko Otsuka y (muy en especial) a Hiroyuki Imaishi quienes,  aunque ya contaban con cierta trayectoria en el medio, fue en esta radical épica adolescente donde pudimos dar un primer vistazo a sus verdaderas capacidades.

A partir de entonces, en Gainax daría inicio una tendencia dual en producciones. Por una parte ofreciendo títulos orientados a un sector mainstream  (Mahoromatic, Kono Minikuku mo Utsukushii Sekai, Kore ga Watashi no Goshujin-sama) y, en complemento, creaciones más complejas y artísticamente elaboradas (Boukyaku no Senritsu, Re: Cutie Honey, Diebuster), pero todas sirviendo de escaparate a animadores jóvenes y veteranos de extraordinario  talento.

No obstante, al tener a cuestas las clásicas hazañas de sus "maestros", la nueva generación de Gainax necesitaba de un proyecto que marcara un nuevo punto de partida en la historia de este legendario estudio, una obra en la que estos (relativamente) jóvenes prodigio pudieran mostrar la "artillería  pesada" que su creciente experiencia en la industria les ha brindado, refrendando su compromiso con la animación como un arte en continua evolución y en el que no debe existir más limitante que la creatividad.

Por tanto, a 22 años de su fundación, los grandes de Gainax se disponen a "pasar la estafeta" a sus otrora discípulos, siendo su opera-prima un magno tributo al monomito y al género que le ha dado mayor realce en la industria: mecha anime, dando pie a la evolución física, psicológica y simbólica de un noble joven, cuya determinación lo llevarían de las profundidades de la tierra a los confines del universo, marcando una nueva era en la historia de la raza  humana.

Aunque orientada a un público joven, Tengen Toppa Gurren-Lagann es una de las producciones más arriesgadas en la trayectoria reciente de Gainax no  sólo por el heterogéneo grupo de creativos que conforman su staff, también por desarrollar un nuevo estilo en relatos de acción: más agresivo,  conjuntando la intensidad de extraordinarios movimientos con la de un argumento -en apariencia- sencillo, pero de profundo significado.

¿Es la animación una herramienta para desarrollar una historia, o es ésta sólo una vía para plasmar el arte en movimiento?, Gurren-Lagann se atreve a  dar una alternativa a esta difícil cuestión aunque, para descubrirla, es necesario explorar la trayectoria de los pilares de esta producción: Hiroyuki Imaishi y  Kazuki Nakashima.

Tras abrirse camino como gengaman en los últimos episodios de Shin Seiki Evangelion, Hiroyuki Imaishi tuvo su primera gran oportunidad en la versión  anime de Kareshi Kanojo no Jijou, donde no sólo se le dio luz verde para dar rienda suelta a su emblemática "fijación cinética", ya que también participò  en el guión de algunos episodios. No obstante, el parteaguas en su carrera llegaría en 2001 con Bura Bure, quinto episodio de FLCL cuyas incesantes  persecuciones y tiroteos pondrían de manifiesto un estilo cargado de extrema hiperactividad en el que las formas están a merced del movimiento,  rindiendo continuo homenaje a obras de la "época de oro" de la industria.

Enseguida, Imaishi jugó un rol vital en otro escaparate de Gainax, Abenobashi Mahou Shoutengai (2002), colaborando en la dirección de animación en un par de episodios, aunque sus habilidades no se verían desatadas por completo sino hasta 2004 con Dead Leaves, producción de culto que marcaría su debut como director general y en que su extrema pasión por el movimiento le valdrían una reputación de "enfant terrible" al ser el  completo opuesto a las tendencias de la industria.

Así, tras breves -pero inconfundibles- participaciones en series como Black Cat, Samurai Champloo o Paradise Kiss, Imaishi obtuvo al apoyo de su alma-mater para desarrollar Gurren-Lagann, su primer proyecto para TV.

Como es de esperar, en Gurren-Lagann la acción es protagonista absoluta, inyectando sentido y tensión a cada momento. La serie explora el concepto  de "movimiento" en todas sus facetas, desde secuencias tradicionales y lineales hasta hermosas sinfonías caóticas, radicales combinaciones de colores  y formas en que la coherencia se hace a un lado en favor de la intensidad.

Al igual que otras artes dramáticas (cine o teatro), la animación suele valerse de distintos recursos para establecer contacto con el público, hacerle  partícipe de lo que se desarrolla en pantalla. En Gurren-Lagann este contacto toma forma, irónicamente, a través de una dinámica irreal, eventos que  desafían toda lógica física y que se contraponen a la tendencia actual de recrear la realidad en todos los niveles posibles.

Así, al no considerar la lógica como una barrera, Imaishi y sus colaboradores se permiten hacer uso de una dirección agresiva, de arriesgadas  secuencias y composiciones en que cada director de episodio o responsable de storyboards tiene plena libertad para adaptar el argumento (sin comprometer puntos clave) a su sello distintivo, lo que nos permite apreciar a detalle la evolución de estos artistas, desde el exacerbado dinamismo de  Imaishi, la intensa (y en ocasiones, involuntaria) comedia física de Shin Itagaki, o el controvertido superflat de Osamu Kobayashi.

Por supuesto, un elemento crucial en esta producción son los diseños mecánicos, que en manos de Yo Yoshinari (cercano colaborador de Imaishi en Dead Leaves y que también tuviera a su cargo los estilizados mechas de Boukyaku no Senritsu) se debaten entre la mecanizidad extrema (típica en los  primeros mecha anime), rasgos orgánicos (apreciable en series como Evangelion o RahXephon) y una continua irreverencia y desafío a las normas  (como ubicar el rostro -y cabina de control- en el estómago).

En muchos sentidos, los diseños mecánicos de Gurren-Lagann son la "bandera" de la filosofía de esta historia: despreciar la lógica, derribar cualquier  obstáculo, despedazar lo imposible, confiar en el extraordinario potencial humano, elementos que Kazuki Nakashima ha logrado aportar a través de un  bien estructurado argumento.

Padre del nuevo "teatro de acción" japonés (junto a Hidenori Inoue) gracias a su compañía, Gekidan Shinkansen, Nakashima es conocido por la fuerte influencia que el teatro clásico (kabuki y bunraku) y el shounen-manga de autores como Go Nagai o Shoutaro Ishinomori han tenido en su trabajo,  traduciéndose en obras de poderosa emotividad y explícito significado, en ocasiones aderezadas con elementos del "teatro del absudo", pero muy alejadas del hermético simbolismo post-modernista que impregna buena parte de la ficción contemporánea.

Desde sus inicios en Ashura-jo no Hitomi hasta la reciente Dokurojo no Shichinin, las obras de Kazuki Nakashima tienen su raison d’être en sus arquetípicos protagonistas, cargados de masculinidad, espíritu heróico y deseo de libertad, líderes carismáticos de una emblemática minoría que se  opone a la opresión de fuerzas sobrenaturales, una visión (relativamente) tradicional del bien contra el mal que cobra nueva vida al enfatizar las expresiones corporales y movimientos en escena.

Curiosamente, 2007 representa el debut de Nakashima en la industria del anime por partida doble: de forma indirecta a través de la adaptación de su  comedia de ficción histórica Oh! Edo Rocket (realizada por Shou Aikawa y Seiji Mizushima), y directamente con Tengen Toppa Gurren-Lagann, su primer guión para TV.

Definido como un relato épico en cuatro actos, Gurren-Lagann explora las etapas del monomito en un contexto extremo, presentando al héroe  universal no como poseedor de cualidades espontáneas, sino la suma de inolvidables encuentros, un héroe modelo construido a partir de las enseñanzas  de todos aquellos que marcaron su juventud, cuyos ideales hace suyos al paso de los años, definiendo una filosofía de vida que es también inspiración de una raza humana hambrienta de libertad.

Influenciada por una nueva interpretación de individualismo (reflejo del activo rol de sus animadores), los protagonistas de Gurren-Lagann no aceptan su  destino: lo dominan, hacen suyo el deber con la historia y se disponen a dejar huella, a hacer leyenda, con cada una de sus acciones y palabras. Libertad absoluta.

Es así como, en una coordinada suma de esfuerzos y talentos, Tengen Toppa Gurren-Lagann logra el (pocas veces factible) híbrido entre animación y  argumento, ignorando cualquier obstáculo, alejándose del estandar del medio e imponiendo un estilo agudo que no olvida el pasado: lo asimila y le rinde  homenaje con un inmortal relato de poder, valor y perenne lucha por los ideales.

Gurren-Lagann es también un manifiesto, una activa protesta por parte de jóvenes y veteranos talentos que se oponen a una industria cada vez más polarizada y en la que el rol del animador suele sucumbir ante argumentos ligeros o pretenciosos. En resumen, una nueva escuela en la animación  japonesa que merece digno reconocimiento y análisis.